Avance rápido hasta 2006 y Holy Trinity Brompton (HTB) funda en Londres la escuela cristiana de adoración Worship Central, liderada por Tim Hughes y Al Gordon… Avance rápido a marzo de 2013 y Worship Central presenta su tercer álbum — el segundo en vivo — a través de Integrity Music, que incluye entre los compositores a los ya mencionados Redman y Smith, como también a Stu Garrard (Delirious?) entre muchos otros.

No es de extrañar que las guitarras con overdrive y delay, mezclando sonidos vintage y contemporáneos, evoquen texturas de canciones popularizadas por los mencionados en el primer párrafo — no se pretende reinventar la rueda con este álbum. Pero Let It Be Known viene con varias sorpresas estilísticas y líricas.

“God Most High” destaca en la segunda pista por la cadencia acelerada y el ritmo poco convencional establecido por la caja de la batería, mientras que la canción del título sigue a continuación con destacada participación de secuencias y teclados, en un estilo muy característico de finales de la década de los ‘80s, puente de rap incluido.

Imponentes cuerdas introducen “The Cross Stand”, colaboración en la que participa Redman, con sólida letra como era de esperarse y con calce prefecto en la métrica de cada frase. “Kingdom Coming” incluye la participación de Smith y casi puedes sentirlo en el estilo de la canción, lo mismo que con la guitarra de Stu G desde el comienzo de “Guardian”, mi favorita del disco.

Hasta las canciones más quietas incluyen una dosis de energía extra propia del registro en vivo, lo que confiere un valor agregado a la excelente colección de canciones grabadas. Ideal para refrescar tu colección de temas de alabanza… o adoración con música.

Go Get It es un disco que no escapa a la esencia de Mary Mary, quienes fusionan sonidos tradicionales con arreglos modernos, logrando que el R&B, Góspel y Funk se transformen en una delicia al escuchar. 13 son las canciones que incluye esta placa, la cual se construye en base a remezclas de clásicos hits, 2 nuevas canciones y las esperadas composiciones que aún perduran en el tiempo.

El disco abre con una de las novedades, canción que da nombre al disco, “Go Get It”, una pista candente y explosiva, que retrata el ADN de Mary Mary, la cual fusiona lo clásico con lo actual. La segunda nueva canción es “Sunday Morning”, al igual que la pista que abre, muestra el dinamismo y el beat de las hermanas Campbell de una forma formidable.

Indudablemente, “God in Me” es otro de los grandes hits de Mary Mary, canción funk que se posicionó en el top del los chart club y góspel, logrando el Top Five R&B/Hip-Hop, ganadora de una Grammy y que fue usada por el jugador de basquetbol profesional Juan Pierre. La canción la interpreta a dúo junto a Kierra Sheard.

Nuevos aires son los que retoman canciones que han sido especialmente remezcladas para este trabajo, como “God Bless”, así como “Dirt”, a las que se suma el himno góspel “Can ‘t Get Up Now”, “I’m Running” y “Good to Me”, canción que incluye la destacada participación de las divas de Destiny’s Child.

En medio de esta extensa lista de hits, se adhieren otros que indudablemente, no están ajenos a la calidad y popularidad, como lo son la hermosa balda “Little Girl”, el candente funk de “He Said”, “And I”, la cual interpretan junto a Kirk Franklin, “Walking” y, como es de esperar, “Shackles (Praise You)”, con la cual cierran este fascinante viaje.

Como es lógico, Go Get It no puede incluir todos los grandes éxitos que el dúo ha generado durante estos años, pero no cabe duda que los aquí encontrados son algunos de los más relevantes y representativos, que retratan la evolución desde sus inicios a lo que hoy es Mary Mary.

Go Get It nace en medio de varias cosas en la vida de las hermanas Campbell, crecimiento familiar, nuevos proyectos y un programa de televisión. Go get In es, por ello, también, retrato de su madurez como personas, como mujeres, como madres, esposas y artistas, las que han logrado llevar con calidad, virtud y sencillez, su propuesta y mensaje irrenunciable de fe a esferas que muchos quisieran alcanzar, y, curiosamente, encontrando más que una positiva aceptación. Sin lugar a dudas, el versátil estilo bailable y, también, suave, han potenciado a Mary Mary como una de los mejores exponentes Góspel y R&B del medio… y de seguro, el futuro no se cansará de ser testigo de su talento, el que enaltece a Dios donde debe hacerlo.

Lo anterior crea lógicas expectativas, y el desafío es mayúsculo para Owl City, y puede que para The Midsummer Station le sea muy difícil sorprender más allá de todo lo ya hecho. Como una manera de superar o, en el peor de los casos, mantener la solidez que ha desplegado, Adam Young dio un paso en una dirección distinta, incorporando co-escritores y compositores externos, como Matt Thiessen (Relient K), Stargate (Rihanna, Wiz Khalifa), Robopop (Maroon 5), Josh Crosby, Nate Campany y Emily Wright (ingenieros de Dr. Luke), entre otros.

“Shooting Star” es el primer corte promocional del disco, canción que inmediatamente se sumerge en la estructura musical que le identifica, el Synthpop/Dance, con ese toque personal que presta Matt Thiessen. Sin embargo, puede que la canción que ha explotado más la imagen del disco sea “Good Time”, la cual canta a dúo con la princesa del pop Carly Rae Jepsem. Esta ya está rotando fuertemente en radios del mercado general, y su video clip se programa frecuentemente en MTV. Es que el dinamismo, frescura y contagiosa invitación a bailar y a disfrutar de la vida, hacen de este un seguro hit, algo que ya confirmó la revista Billboard.

Pero, ¿pueden encontrarse más cosas novedosas en este disco? La respuesta puede tener dos aristas, una para quienes ya conocen su trayectoria y distinta para los que recién se asoman en la esfera electrónica bailable de Owl City. Para los primeros, todo se transforma en previsible, y para el otro grupo, en una interesante novedad… es cosa de quién percibe.

El disco abre con “Dreams and Disasters”, la que inmediatamente despliega esa maestría musical que, en muchas ocasiones, se asemeja al sonido de Armin van Buuren y Paul van Dyk. Su lírica es simple, que denota esperanza en medio de las dificultades, invitando a ‘seguir la luz (Jesús) en medio de los sueños y desastres. “Dementia” es otra canción interesante, en la cual une fuerzas junto a Mark Hoppus de Blink-182, la que, en cierta forma, describe a nuestra sociedad como una locura que, a veces, es difícil de sobrellevar.

“I’m Coming After You” es una canción de amor que no renuncia al ritmo contagioso, así como también lo es “Speed of Love”, pero esta añadiendo algo más de molde trance a los arreglos, con una lírica positiva y que invita a disfrutar de la vida. “Embers” es más oscura en el intro, pero que se abre al pop de forma explosiva, que incluso adhiere algo de rock, la cual nos desafía a sobrellevar nuestras luchas y sobreponerse a ellas, haciendo hincapié en la unidad y en la esperanza.

“Silhouette” muestra el rostro dócil del disco, una balada muy bien lograda que retrata nuestra volatilidad como personas, dibujando las tristezas y la búsqueda de un porqué de nuestra existencia. “Metropolis” retoma el ritmo, y puede que esta tenga la más clara orientación de fe del disco, pero sin hacer mención explícita a Dios.

Si es primera vez que escuchas a Owl City, The Midsummer Station te sorprenderá, pero si ya conoces a Adam Young, de seguro este tercer disco no te generará demasiada atracción. Con este nuevo envoltorio, de foráneos compositores y la apertura a nuevos productoress, puede que el resultado no sea el esperado, sin embargo, la solidez de Owl City no se pierde. Su estilo vas más allá de querer lograr posicionamiento en el mercado, simplemente busca entregar un mensaje fresco, positivo y motivador, pero, ¿porqué no hace más visible su fe? Esta es una interrogante que, en muchas ocaciones, es difícil de dilucidar, pero es algo que siempre ronda como gran incógnita.

Port lo anterior, Owl City logra cautivar gratamente con The Midsummer Station, pero no sorprende y puede que este, su tercer disco, no logre el éxito de sus predecesores… pero Adam Youg es capaz de mucho mas, tanto en lo musical como en lo lírico… debiera aprovechar la gran plataforma que ha logrado pisar y abrirse más a su fe.

Gracias a la dinámica canción “Te Amo”, tanto su compañía disquera (Integrity Music) como los medios han buscado insertar su nombre dentro de nuestro intelecto musical, y lo han logrado con resultados más que positivos. Pero, ¿quién es Israel Houghton? Es un personaje que ha marcado un antes y un después dentro del género Góspel anglo, ícono y referente dentro del género, cuya popularidad le ha hecho acreedor de una innumerable cantidad de reconocimientos, tanto dentro como fuera de la escena musical cristiana. Por mencionar algo, destaca el hecho de que ha estado 2 veces dentro del Top 200 de ventas en Billboard, con 2 discos certificados con oro, haber obtenido 12 premios Dove, 3 Grammy, y un Soul Train, junto con haber cantado con Alicia Keys y George Michael, entre otros.

Con todo este currículo, no es de extrañar que este nuevo disco marque un nuevo hito en su carrera. Jesus at the Center es un trabajo que sobresale en todo sentido. 17 canciones son parte de esta placa (clasificada en dos discos) grabadas en vivo, sumando 3 en estudio, contando con la participación especial de Michael Gungor, T-Bone, Jason Nelson, James Fortune, Bishop Michael Pitts, Tina Baker y su hija, Mariah Houghton. El disco llega después de que Houghton estuviese 5 años alejado de la escena.

Musicalmente, Jesus at the Center es una verdadero arcoíris multicultural, que enciende el escenario, fresco y chispeante, con buenas dosis de baladas, lo que da vida a un viaje de alabanza y adoración en base a pop, rock, reggae, funk y sonidos latinos. El disco está producido por el propio Houghton junto a Aaron Lindsey, y las versiones de estudio por Ed Cash, con canciones de la autoría de Israel y con la colaboración de Lisa Gungor, a lo que se suma un cover de una canción de Bob Dylan. A todo esto se agrega una gran cantidad de músicos junto al coro de la Iglesia Lakewood.

Haciendo un recorrido por este disco, nos encontramos que la canción que da nombre a este, “Jesus at the Center”, la que no es inédita de este, es una canción que fue parte del álbum The Decade, sin embargo, se transformó en una canción tan distintiva para el grupo que decidieron regrabarla y con ella, identificar a este nuevo trabajo. La canción, en sí, es una clásica balada de adoración con el sello inconfundible de Houghton, la cual abre con un delicado intro de piano para dar paso al cuerpo de esta donde un majestuoso coro resalta por todos los rincones. “It’s Not Over (When God Is In It)” es otra de las canciones destacadas, que nuevamente recurre a un majestuoso coro que se viste de ingeniosas pinceladas de un órgano, dando vida a un tema Góspel muy moderno.

La versatilidad musical se aprecia en muchas partes, como lo denota “Your Presence Is Heaven”, la cual se adueña de una clásico jazz que suma un suave arreglo de R&B, cuya intencionalidad se mueve hacia el poder reflexionar sobre la presencia de Dios en nuestras vidas. Sin lugar a dudas, la gran sorpresa del disco es su incursión en el mundo latino con “Te Amo”, la cual derrama alegría y movidos sonidos, con un rap de T-Bone, todo bajo la intención de celebrar el amor de Dios. Y si de fusiones se trata, que mejor ejemplo que “Rez Power”, que mezcla Gospel con Funk de una forma única, cuya energía y desbordante ritmo se concentra en el poder de la resurrección de Cristo.

En este tipo de grabaciones el elemento distintivo es el uso de grandes coros, y el de la Iglesia de Lakewood tiene su rol protagónico en todas las canciones de este, pero su potencia y personalidad se refleja de mejor manera en “Call You Jesus”. Elementos de los 70s se aprecian en “Jesus The Same”, en la cual resalta el melancólico sonido de un viejo sintetizador. El cover de la canción de Bob Dylan extiende ese añoso aire, haciendo que “To Make You Feel My Love”, la cual es interpretada junto a la hija de Israel, Mariah Houghton, renueve su fragancia como el clásico que es.

Es interesante ver que la canción que da nombre al disco se encuentra incluida 3 veces en este álbum… ¿demasiado? Es una respuesta que dependerá de quién escucha, sin embargo, siendo una canción tan pegadiza y especial, su reiteración no cansa ni agobia, ni se siente como de más… simplemente es una canción que tiene el valor suficiente como para ello.

Algo que siempre es recurrente en este tipo de discos es la posibilidad de no solo escuchar cantar, y este disco no desperdicia la oportunidad para que Houghton hable, predique, interactúe y grite sus alabanzas, sin embargo, en ciertas oportunidades esta situación se extiende demasiado, creando un espacio que puede desperdiciar y perder el hilo del disco.

En líneas generales, y considerando que este tipo de discos no es de gusto masivo, el hecho de estar ante un ícono de Góspel moderno, hace de Jesus at the Center un trabajo como pocos en su género, que usa y abusa de todo lo que este le propicia usar, como coros, instrumentación, artistas invitados, estilos y géneros diversos, así como espacios de interacción, para dar vida a un álbum memorable, que no cambiará al mundo, pero si el corazón de quién escucha. Su premisa es mantener a Jesús en el centro de todo lo que hagamos, algo que suena más que a solo una afirmación, un desafío a vivirlo, a radicalizar nuestra relación con Dios, y ver de otra forma nuestra forma de interactuar con los demás… así como tener una actitud distinta con nosotros mismos. Jesus at the Center es una llamado a la iglesia para que en cada reunión colocar a Jesús como el verdadero centro de adoración.

Thousand Foot Krutch

Nadie que tenga un poco de conocimiento del gospel rock anglo, puede contradecir que TFK es una de las bandas más influyentes y más convocantes del Hemisferio Norte, tan solo basta con fijarse en los números.

Por ejemplo, el álbum debutó en el puesto #5 en la página de descargas iTunes en USA y en el #1 en Canadá en su primera semana. Y si hablamos de las listas Billboard, se hizo dueño del #1 en el Hard Rock, #1 en la lista de Música Cristiana, #3 en el Alternative/Rock y #14 en la General. Estadísticas más que impresionantes.

Su primer sencillo, “War of Change” (ver video aquí), es un llamado a un cambio interno, una guerra que se desata en lo más profundo del ser humano. Es solo un anticipo de la verdadera potencia que TFK transmite en este disco, es como la punta del iceberg convertido en un rock con guitarras bien agudas, líricas precisas y golpes contundentes.

El disco comienza con una introducción que bien podría haber salido de una película con robots como Terminator o La Guerra de las Galaxias, con una voz tenebrosa a lo Darth Vader, pero que deriva en una guitarra con mucha presencia y la fuerza de la voz de Trevor McNevan en “We Are“, como nos tiene acostumbrados a los que nos gustan esas gargantas raspadas.

En “Light In The Sky” el rock bien arriba sigue su curso, pero McNevan arremete con las líricas rapeadas a lo Manafest (o si prefieren uno más conocido, a lo Eminem). Pero lo que lo diferencia de los demás, es que su manera de cantar el rap en la canción, nunca deja de cantar, aunque esté rapeando.

La música sigue con “The End Is Where We Begin“, “Lets The Sparks Fly” y “I Get Wicked“, como una catarata de sonido que se eleva y pareciera que te quiere hacer rockear hasta el cansancio. La energía en cada tema es una de las características sobresalientes del álbum, parece que el mensaje subliminal es no parar.

The End Is Where We Begin es un disco que casi nunca decae, solo en “Be Somebody” en la mitad del disco y en “All I Need To Know“, casi terminando. Te mantiene despierto con las melodías pegadizas, guitarras estridentes que te erizan la piel y golpes bien precisos por Steve Augustine en batería que te dan en el pecho.

Si uno repasa los discos de TFK, nota la madurez musical que fueron adquiriendo desde los ’90s hasta esta parte. Y que sin duda hace de este disco el mejor del año en el rock (hasta el momento), habrá que esperar que algún otro haga un gol de mitad de cancha para arrebatarle el trono. Un disco que no tiene desperdicio, y que como dice su nombre, no es el fin, sino el principio de un disfrute en la cima del rock para los canadienses.

Britt Nicole es la actual diva del pop de la escena cristiana, la cual ha logrado llenar el vacío dejado por Stacie Orrico, la última que logró ocupar esa posición. Sin lugar a dudas, ella es protagonista de un género muy esquivo para las voces femeninas dentro del escenario cristiano, pero es la alternativa positiva al fenómeno indiscutible de Lady Gaga y similares de nuestra década (Brittney Spears,, Madonna, Miley Syrus).

Britt Nicole emerge en 2007 con Say It, para luego pasar a su exitoso disco The Lost Get Found en 2009. Gold es su tercer disco de estudio, el cual despliega lógico crecimiento y una madurez más allá de lo esperado. Su voz ha experimentado un crecimiento sorprendente, y su calidad quedó más que demostrada con su disco Acoustic EP, en el cual ella se desenchufa de las perillas del proceso de post-producción, dejando ver una voz potente y real, con personalidad y indiscutible fuerza.

Gold es un disco muy actual y moderno, cuyo sonido pop esta a la altura de lo que actualmente se escucha en todas partes. Pop y baladas se fusionan perfectamente, con intrincados arreglos bailables, loops, Hip-Hop y Dubstep, algo muy recurrente en el pop actual. La voz de Nicole, como ya se mencionó anteriormente, es perfecta para el género, teniendo la formidable capacidad de adecuarse perfectamente al intrincado recorrido de las 13 canciones que contiene el disco.

Producido en su mayoría por Don Muckala, encontramos canciones líricamente simples, muchas de ellas personales y con una interesante dosis de positivas letras, lo cual le ha permitido introducirse fácilmente en los medios no cristianos. Puede que esa simplicidad moleste a los más perspicaces que buscan más contenido espiritual en el pop de Nicole, sin embargo, ella se da su tiempo para retratar su fe, como lo hace en “All This Time”, la cual relata como ella conoció a Jesús de una forma muy accesible y emotiva.

“Gold” abre el disco con ritmo que nos insta a vivir la vida de forma tal de entender que “uno vale más que el oro”. “Look Like Love” prosigue con el intrincado pop que nos desafía a vivir una vida de acción, entregando amor al mundo. “Who You Say You Are” es una balada de que claramente retrata su fe en Dios.

“Ready or Not” es una maravillosa pieza bailable, que añade una interesante dosis de Hip-Hop con la participación de Lecrae, la cual nos motiva a ser distintos, a ser luz. “Breakthrough” llega con un elaborado pop que añade un interesante quiebre con un Dubstep, sumergiendo en un esperanzador futuro. “Stand” se apega a un pop con pinceladas de R&B, a través de la cual la voz de Britt Nicole brilla explosivamente, con un potencial y fuerza que nos grita que nos mantengamos en la fe.

“The Sun Is Rising” es una hermosa balada con un piano como protagonista, que se sumerge en poder entregar palabras de paz y esperanza en medio de nuestras luchas y pruebas. “Amazing Life” emerge como la pista con más ritmo del disco, especial para celebrar la vida.

“Still That Girl” se somete a una historia muy interesante de cómo demostrar que una adolescente si tiene valor en estos tiempos, al punto que ella puede cambiar el mundo y valorarse como mujer aun sus anteriores tropiezos, fallas y errores, puede volver a intentarlo. “Seeing For The First Time” es una hermosa y personal balada (con la cual muchos se pueden identificar) que nos invita a confiar y tener fe de que el propósito y plan de Dios para nuestras vidas se cumplirá. El disco cierra, definitivamente con 2 remix para “Amazing Life (Capital Kings Remix)” y “Straight For Your Heart”.

En líneas generales, Gold es un disco espléndido. Los amantes del pop encontrarán lo que buscan en este álbum, que no cansa por su versatilidad y carisma, una alternativa acorde a lo que las divas del pop hacen, pero con un contenido positivo y ampliamente accesible, con el cual muchos se pueden sentir gratamente identificados. Britt Nicole tiene el potencial suficiente como para convertirse en la voz femenina del pop actual (quién además tiene el crédito de componer muchas de estas canciones) sin barreras que la detengan a la hora de entregar su mensaje, por lo que tanto creyentes como los que no lo son, encuentren más que solo buena e intensa música. Tras cinco años de trayectoria y 3 discos a su haber, Britt Nicole ha llegado para quedarse.

Lo esperable para Diamond — su álbum larga duración de estudio número 13 en total, séptimo en inglés — sería que Jaci mantuviese su sobresaliente calidad vocal, y puedes contar con ese factor. Lo que no vas a encontrar son los estilos con influencia latina que abundaban en la época de Mi Corazón y discos anteriores. Por un lado, no están sus antiguos compañeros de composición y producción, y por otro lado Jaci ha madurado musicalmente más allá del cliché de Diva Pop Latina.

De hecho, al llegar al final del disco te encontrarás con una dosis rockera poco habitual para ella y sus innumerables clones. Y no estoy diciendo que pasar del pop al rock implique haber madurado, necesariamente; solamente quiero enfatizar que no se ha quedado anclada en su época de mayor esplendor comercial, sino que ha seguido esforzándose por conquistar nuevo territorio musical.

Volviendo al primer párrafo, la pista del título refleja ese viaje personal y la confianza en que durante todo ese proceso, angustiante, doloroso, el amor de Él [Dios] estuvo obrando y el resultado será brillante. Musicalmente, una balada que se debate entre el rock y el pop, con relevantes guitarras pero con violines de fondo, y eventuales loops de percusión, muy al estilo de Nashville.

“Give Them Jesus” no sólo es más explícita en cuanto a letra sino que también pone más el acento en el Pop y acelera un poco el paso, pero sin llegar a ser lo más chispeante que hemos escuchado de Jaci, aunque sí lo suficiente como para convertirse en un exitoso sencillo en radio.

En la mitad del disco llega suavemente la balada pop “Con el Viento a Mi Favor”, que va ganando fuerza hasta extraer toda la pasión interpretativa característica de Jaci, y marcar uno de los puntos altos del disco en general. La letra es indirecta pero fácilmente relacionable con lo espiritual, aunque no sería extraño escucharla en radios del mercado general, como la mayoría de los temas del disco.

Otra canción que quiebra la tónica de baladas y pop con algo de swing es “Girl”, aunque no llega a explotar con toda la chispa que se podría esperar de Jaci. “Trust in You” nos acerca un poco más a la pista de baile, pero con bastante énfasis en el rock más que en el pop o la electrónica que se insinúa.

Los productores Craig Swift y Chris Bevins son compañeros en la banda Salvador junto a Nic González, esposo de Jaci. Su labor resulta bien pulida y procesada, pero con pocos elementos que sobresalgan del promedio pop/rock norteamericano, como la canción en español y la más rockera, “Guilt”. Sin embargo, que la mayoría de las canciones pueda ser considerada un potencial sencillo para radio, podría indicar que tuvieron éxito en lograr un disco capaz de perdurar comercialmente en el tiempo.

Y con el tiempo también sabremos si este “relanzamiento” de la carrera de Jaci nos trae más novedades, innovaciones, o el resurgimiento de elementos de épocas pasadas que confieran mayor variedad a su oferta musical, que por el momento se limitó a tres canciones en versiones acústicas para la edición de lujo en iTunes de Diamond, un muy buen disco para resurgir, aunque no sea el mejor de su carrera… todavía.

Now (producido por el experimentado Jasen Rauch) es un trabajo muy bueno, que recobra la confianza, derrocha energía y dinamismo a raudales. Es buen rock que adhiere interesantes ganchos electrónicos, a lo que suman ciertas baladas que muchos gustan escuchar. La voz de Dawn Michele sorprende por su pasión y gran poder interpretativo, la cual se identifica adecuadamente con la exigencia del rock, pero que a la vez matiza perfectamente con las baladas que este añade.

El primer sencillo del disco es el que abre este, “Stay Close”, una pista perfecta para este protagonismo, que plasma nuevas direcciones para Fireflight y que retrata toda la esencia rock progresista de la banda, junto con la voz fenomenal de Dawn; guitarras feroces son cómplices de un mensaje que grita por Dios y su compañía en medio de la soledad y desesperanza de la vida. “Ignite” extiende la atmosfera de rock, dando paso a “Escape”, una de las mejores pistas del disco, ambas un desafío a ser distintos en medio de nuestro tiempo.

“He Weeps” se adentra en territorio suave, baladas rock que evocan sentimientos y emociones con sinceridad y humildad, y aquí abordando los tiempos difíciles, cuando parece que Dios no existe y no es parte de la adversidad, haciendo que la voz de Down ejemplifique perfectamente esa desesperación, exclamando ¿Donde está Dios en cuando suceden las cosas malas?. “Keeping Me Alive”, la que en cierta forma, extiende el tema anterior, pero ahora con mas acento en la fe.

“Stronger Than You Think” nuevamente se fortalece con el rock y con la lirica cargada de optimismo y paz. “Prove Me Wrong” se adentra en la temática de cómo entender el actuar de Dios en medio de nuestras dificultades, algo que se acentúa en “Dying For Your Love”, pero este más consciente de que aun el momento, Dios está presente a través de su amor.

El disco empieza a despedirse con dos pistas de buen rock, “Rise Above” y “Now”, la primera de ellas un desafío a cerrar el círculo de victimización y dar a un paso adelante por un mañana mejor, dando paso al cierre bajo la premisa de confiar en las promesas de Dios.

Now es un disco crudo, que retrata el hoy de muchos creyentes (y del mundo sin Dios) que viven encerrados y prisioneros en el circulo de la desesperanza, pero que nos desafía a vivir por sobre nuestras circunstancias. Es verdad, es muy difícil aceptar el existir bajo la adversidad pero las promesas de Dios no tardaran en llegar y transformar nuestra oscuridad en luz.

Now toca temáticas que la banda ya había examinado en sus anteriores discos, es verdad, y puede que ello no retrate evolución, pero hay madurez y conciencia por no cansarse a la hora de reiterar este mensaje, muy prudente y cada vez más necesario. Los tiempos son cada vez más difíciles, y Now así lo retreta, sin embargo, Dios es la puerta que suple y llena la vida en medio de estos tiempos.

Rock, voz y mensaje se unen para hacer de Now no el mejor disco de Fireflight, pero si mucho mas convincente y maduro que su antecesor, que compite seriamente con sus dos primeros álbumes. Un disco obligado para todo fiel fans de la banda y una grata sorpresa para quienes no le conocían.

Con el tiempo, Kutless fue incursionando en la Alabanza y Adoración, y los resultados fueron más que satisfactorios, etapa que también ha generado innegables triunfos que suman el característico rock post grunge que les ha caracterizado; por lo mismo, su nuevo disco ha generado muchas expectativas.

Believer es un trabajo que se enfoca en la alabanza y adoración pero transitando por otras sendas musicales, bastante lejanas al rock alternativo que ha cautivado a muchos, más bien, un pop rock que se asemeja bastante al sonido de Lifehouse. Por lógica, esto puede decepcionar a muchos de sus fieles fans, pero puede que Kutless esté buscando otros oídos y por ello la apuesta musical este enfocada, desde esa perspectiva, adecuadamente.

La canción que abre el álbum se sumerge el energético rock que identifica a la banda, guitarras candentes y riffs ambiciosos hacen de “If it Ends Today” la pista perfecta. Sin embargo, esta bienvenida se diluye con el transcurso del disco de forma gradual, ya que “Carry On”, aunque persiste con el rock, denota la disminución de intensidad musical. Es así como “All Yours” empieza a denotar la intencionalidad musical del disco.

La simpleza orgánica y acústica se apodera de canciones como “Even If”, “Hero” y “Identidy”, las cuales son interrumpidas por el intenso rock alternativo de “Need”. “Come Back Home” se sumerge nuevamente en la delicadez musical, la cual da paso a “This is Love”, la cual tiene una clara similitud a sonidos encontrados en bandas como Lifehouse o Newsboys. El disco empieza a cerrar con “Gravity”, “I’m Whit You”, “Believer” y “Carry Me to the Cross”. Aunque puede que no encontremos la pasión roquera que muchos esperaban, Believer convence.

Su lírica tampoco puede dejar indiferente a nadie, de composiciones carentes de profundidad a otras sólidas y elocuentes, un balance no por muchos anhelado, pero que logra surtir de sustancia al disco. Hay canciones con una interesante carga bíblica, como la que retrata la parábola del hijo pródigo hasta la que nos pinta los últimos momentos de Cristo hasta cuando llega a la cruz, pasando por retoricas personales como el hecho desesperado de vivir sin Jesús, el también sentimiento de querer entregar todo a Dios y sentir como que no ha sido suficiente, para terminar con la descripción de la fidelidad de Jesús aun en los momentos más difíciles de la vida.

Lo anterior no denota mucha originalidad, mas bien, son temáticas por muchos evocadas, por lo que se pierde la concepción de sorpresa en el mensaje del disco, a cuyas intensiones de suma una lírica de alabanza y adoración sin mucho que rescatar o saborear.

Believer es un disco suave, que no emerge con la intensidad y pasión a la que nos tiene acostumbrados la banda liderada por Jon Micah. Musicalmente, equilibrado y bien logrado, su abundante pop por sobre el rock crear otra perspectiva por la cual evaluar este trabajo. Su lírica es simple y casi mezquina en ciertas composiciones, más en otros sacando a relucir todo el potencial que uno espera de este tipo de producciones. En resumen, Believer es un álbum que genera controversia pero que agrada. Hay parte del mítico sonido de Kutless que se asocia al pop con delicadeza. Una opinión de rechazo o aceptación que dependerá de lo que se busca y de lo que se encuentra.

Pero ¿qué puede ofrecer de novedoso un disco de alabanza y adoración moderna en un mar de discos de igual intencionalidad? En cierta forma, Matt Maher es poco lo que aporta a la innovación, más bien, es un nombre más que se suma a la extensa lista de alternativas actuales.

Sin embargo, Alive Again tiene su lado bueno, gracias a sus arreglos musicales, los que no se arriman al ya saturado concepto pop brit que muchos usan desmesuradamente, mas bien, el sonido que Matt impregna a sus trabajo tiene una clara identidad norteamericana, pop y balada simple, con ciertas experimentaciones y sonidos atmosféricos que, en cierta forma, crean algo distinto a lo que se escucha asociado al género.

“Alive Again” abre el disco, con un sonido suave y atmosférico que a poco transitar levanta pulsaciones para dar vida a una pista que retrata nuestro caminar en el reino de Dios. Prosigue la intensa “Shout of the King”, una pista pop/rock que nos recuerda cuan fiel es nuestro Dios. “Sing Over Your Children” se adentra en las experimentaciones para recordarnos del incondicional amor de Dios.

“Hold Us Together” es una pista acústica con matices de country que se aferra a la esperanza de ver a Dios, pasando a “No Greater Love” y “Love Comes Downs”, las que se sumergen tanto en la unidad de la iglesia como también en la redención.

Tras estas primeras seis canciones, Alive Again se bifurca en un transitar de adoración que se extiende hasta el cierre de este, empezando con la suave “Flesh and Bone”, que revitaliza el concepto de amor divino, pasando a “Remembrance (Communion Song)”, una pista atmosférica que fue compuesta junto a Matt Redman para retratar la importancia y relevancia de la naturaleza espiritual de la comunión con otros.

“Letting Go” es una maravillosa pista acústica, casi demasiado melancólica, que nos habla del ese proceso de crecimiento y madurez en el cual Dios nos mantiene. “You Were on the Cross” dócilmente nos lleva al territorio de las interrogantes de la vida, cuando se pregunta donde esta Dios. “Christ is Risen” retrata el proceso redentor que llevó a cabo Jesús, muriendo para vencer a la muerte. “Garden” cierra el disco con la esperanza de un tiempo mejor, de volver al jardín de donde el pecado nos sacó.

Matt Maher es un compositor hábil que se las ingenia para dar vida a canciones interesantes, no innovadoras, pero frescas y autenticas, que abordan muchas temáticas que se enfocan en la alabanza y adoración. Puede que el hecho de particionar el disco no guste a muchos, mejor hubiese sido que la producción, por lo menos, hubiese cerrado este con una pista más dinámica, pero ello no resta mérito a lo que este trabajo contiene, expresa y divulga.

Alive Again no es un trabajo excepcionalmente distinto, pero si tiene sus puntos a favor. De seguro, este es un nuevo paso en la madurez que se espera encontrar en próximas producciones, y talento y visión sobran a la hora de evaluar este trabajo. Es diferente en estilo y sonido, y una alternativa aceptable para quienes buscan el quiebre de lo que se escucha habitualmente.